TATOOS...

Según la Real Academia de La Lengua, tatuaje significa: “Dibujo indeleble en la epidermis”.

Los tatuajes, son realizados, mediante la rotura de la epidermis, con un objeto punzante, o sea, una aguja, la cual en su punta lleva tinta insoluble. Al ir rompiendo la piel, específicamente la epidermis, que es la primera capa de piel del cuerpo humano, estos tatuajes quedarán de manera indisoluble, en el cuerpo del tatuado.

Aunque en los estudios de tatuajes siempre tienen multitud de libros llenos de dibujos, debe saber que usted puede llevar su propio diseño, o pedir al tatuador que le haga un dibujo a su gusto. Estos son los diferentes tipos de tatuajes con los que se puede encontrar:

Biomecánico. Se basa en las películas e historias de ciencia-ficción. Son dibujos que suelen representar desgarros en la piel que dejan ver partes mecánicas o componentes electrónicos. Habitualmente se suelen hacer a gran tamaño y en blanco y negro. 

Célticos. Es una variante del estilo tribal. Utilizan diseños geométricos a base de nudos y lazos que se entrecruzan entre sí, aunque también pueden incluir piedras preciosas o animales.

Con color. Actualmente se pueden conseguir prácticamente todos los colores, aunque con el tiempo pueden perder brillo e intensidad. Aquí lo primordial no es el contorno, sino las luces, sombras y los difuminados a color. Suelen ser tatuajes de tamaño medio o grande.

Tradidicionales. Son los tatuajes de toda la vida, agrupando los temas marineros, religiosos, águilas, tigres o diablos, por decir algunos. Su demanda ha descendido en los últimos tiempos.

Tribales. La gran mayoría se realizan en negro, o si no, con pocos colores. Se inspiran en diferentes culturas: tribus africanas, indios, aborígenes... Los diseños son muy variados.

Sombras y difuminados. En estos tatuajes el juego de sombras cobra protagonismo. Suelen ser diseños grandes, normalmente inspirados en temas fantásticos, así como animales mitológicos o diablos.

Estilo japonés. Los dragones, carpas y las flores son las estrellas de esta variante, donde destacan los colores, las sombras, el volumen o la sensación de movimiento.

Retratos. Se suelen realizar en blanco y negro, llegando a parecer verdaderas fotografías. La mayoría son de familiares, actores o cantantes.

PINTURA CORPORAL

La pintura corporal (body painting) es una de las primeras  formas de expresión artística usadas por nuestros ancestros. Probablemente incluso antes de que se grabase la primera piedra, el hombre aplicaba pigmentos sobre su cuerpo para afirmar su identidad.

Practica moderna...

La pintura corporal reapareció en Occidente a finales del siglo XX. Se trata de un arte efímero, en el que el pintor crea un dibujo sobre su modelo usando pinturas especiales, purpurinas, acuarelas y complementos para crear de esta forma un conjunto plástico que exprese lo que el artista desea plasmar. Es el cuerpo convertido en un lienzo.

Normalmente se suelen crear pinturas inspiradas en la naturaleza, animales, fantasía, y combinaciones abstractas. En primer lugar, el artista elabora un borrador en papel, elige los colores, el modelo, la pintura y complementos que va a utilizar.

La pintura corporal no tiene un objetivo erótico en sí mismo, aunque como en cualquier otro arte, si el pintor lo desea se le puede dar.

La distribución de los colores es muy importante en estos trabajos, puesto que la luminosidad o su ausencia modela el cuerpo del modelo, creando así diferentes volúmenes.

Una de sus modalidades que surgen recientemente es el Body Paint Graffiti, esta vez simulando graffitis en las paredes, pero pintados sobre el cuerpo.

PIONEROS

Vito Acconci

«Mi obra va de la poesía, es decir, del objeto y del sujeto, a la arquitectura, a la construcción del espacio.

Tanto la escritura como la arquitectura están implicadas con el tiempo.

La lectura de un libro tiene un principio y un final y la arquitectura

tiene que ver con la ocasión, con lo que la gente puede hacer en un espacio»

(Nueva York, 1940), es un poeta y un artista conceptual que empezó creando obras de “arte corporal” o “body art”. Como poeta utilizaba la hoja en blanco como lugar o espacio donde hace actuar a las palabras como objetos en movimiento. De la hoja en blanco pasaría después a la galería de arte como espacio de encuentro entre el espectador y el artista. Desde los años 70 hasta 1980 utilizó el vídeo para expresarse, y desde 1988, tras fundar el “Vito Acconci Studio”, un grupo de reflexión del arte y la arquitectura y trabajó con un equipo de jóvenes diseñadores que están creando obras de arte público y lugares únicos, centrado en la arquitectura desde dónde explorará en sus obras los límites entre el espacio público y el privado.

Chris Burden

"Cuando uso el dolor o el miedo en una obra. Parece dinamizar la situación. En obras con elementos violentos e impredecibles, el miedo es realmente lo peor, peor que el dolor. Primeros clavado en la Volkswagen, por ejemplo. Tuve ni idea de qué esperar. Pero las uñas no le dolían mucho. Era el sentido de que estaba cumpliendo ".

Chris Burden es un "artista de cuerpo:" Y a los 28, es uno de los profesionales más conocidos de este más extrañas y controvertidas expresiones del arte moderno. Él hace las cosas con y para su cuerpo. Y las obras, o "piezas", que resultan por lo general se registran por fotografías o videos. Él define el arte del cuerpo como "un examen de la realidad, un cuestionamiento de lo que ha de existir." Sus críticos lo han descrito como el Evel Knievel del arte moderno.

Dennis Oppenheim

(Parallel stress, 1970)

(Mason City, Washington, 1938) Artista estadounidense. Destacó a partir de los años sesenta por sus reflexiones artísticas, que indagan en la relación del creador con el espectador. Su obra ha sido inscrita en diferentes estilos del arte moderno: land art (Annual rings, 1968), body art o arte corporal (Parallel stress, 1970), performances (Rocked circle, 1971); en las que la fotografía, el vídeo y el texto figuran como materiales destacados, etc. En 1972 eliminó definitivamente la presencia del artista para mostrar la obra como dispositivo autónomo (Attempt to raise hell, 1974; Way station launching and obsolete power, 1979). En 1998 expuso su obra en la galería Stefan Stux de Nueva York. Herman Nitsch A ktion 135-XI Bienal de La Habana Hermann Nitsch: 122. Teatros Aktion des Orgien Mysterien "soy 19. 2005 El famoso y polémico artista, pintor, escritor y compositor austriaco puso en práctica una controvertida acción plástica en la que reúne sacrificios de animales, mezclas de vísceras con frutas y una especie de baño lustral, con la sangre de las víctimas, a personajes desnudos y crucificados o vestidos de blanco. En este funde sus ideas con música y pintura en rituales colectivos místicos y paganos, inspirados en mitologías de antiguas civilizaciones. Según declaró en varias oportunidades, con esta forma de arte pretende que las personas hagan catarsis y dejen de obsesionarse con la violencia y las guerras existentes en la actualidad. “Aktion 135″ resulta un espectáculo, del corte primer mundista que impone el hegemonismo cultural de Occidente, donde, también es cierto, se ha ganado la aversión de ecologistas y sociedades protectoras de animales, y que para la sensibilidad generalizada de esta parte del mundo, clasifica como algo morboso y fundamentalista. Gina Pane “La herida es la memoria del cuerpo; memoriza la fragilidad, el dolor, es decir, su existencia real. Es una defensa en contra del objeto y de las prótesis mentales.” Gina Pane (1939-1990), artista francesa es pieza fundamental para la fundación del movimiento Body art en Francia. A inicios de 1970 Gina Pane crea obras que juegan con las relaciones ambiguas del hombre entre la violencia y la ternura, los temores de la infancia y la neurosis de los adultos, la violencia política y la esfera privada, el gesto radical y las formas seductoras. Sus obras, que tienen como protagonistas su cuerpo, la herida y el público circundante, se vuelven una serie de acciones como respuestas catárticas hacia el contexto histórico que se desarrollaba durante esos años: la identidad sexual, la liberación de la mujer, la guerra de Vietnam y la opresión política.

CARACTERISTICAS

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  Carácter efímero, pues la realización del espectáculo de Body art solo puede ser observado en toda su potencialidad mientras dura la representación. Una vez concluida la presentación esta solo puede ser apreciada en documentación fotográfica o videográfica.

• Uso del cuerpo como material y forma expresiva.

• Como género artístico el Body art tiende a fusionar las más variadas formas artísticas (performance, danza, artes escénicas, artes plásticas, etc.)

• El Body art potencializa la intervención-acción con el público espectador a través de el proceso de demostración y creación artística.

• Género que reclama del artista conocimientos básicos de expresión, proyección espacial, música, danza, etc.

• El body art es el trabajo en conjunto con los sujetos frente al individualismo del modernismo.

Un arte..

El arte corporal es un estilo enmarcado en el arte conceptual, de gran relevancia en los años 1960 en Europa y, en especial, en Estados Unidos. El creador de este movimiento fue Francisco Javier Martín López, mejor conocido como "Chupete" o "Chupe el Gordo".

Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta, se calca, se ensucia, se cubre, se retuerce; es el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción, con una documentación fotográfica o vídeo gráfica posterior. 

Se manifiesta en tres amplias modalidades: Piercing, pintura corporal y tatuaje.